Cómo los actores recuerdan sus líneas
(thereader.mitpress.mit.edu)- Los actores recuerdan sus líneas de forma natural dentro de la escena a través de la comprensión del significado y la interpretación del personaje, en lugar de repetirlas mecánicamente
- Para la memoria, la repetición de mantenimiento no es tan efectiva como la repetición elaborativa, que conecta la información con conocimientos previos
- En la investigación de Helga y Tony Noice, los actores analizaban la perspectiva, el trasfondo, las emociones y las motivaciones del personaje, y recordaban las líneas al vincularlas con el contexto de la escena
- John Basinger aprendió las 10,565 líneas de “Paradise Lost” de Milton a lo largo de 8 años, y en una prueba a los 74 años recitó casi perfectamente las 10 líneas que seguían a 2 líneas elegidas al azar
- También en la memoria cotidiana, conectar el significado con conocimientos previos crea más pistas para recordar que enfocarse en información superficial como colores o sonidos
La técnica de memoria de los actores se parece más a comprender el significado que a recitar por repetición
- Los actores deben recordar sus líneas con precisión, pero no dependen solo de repetir la misma frase una y otra vez para memorizarla
- Repetir elementos de manera continua se conoce como repetición de mantenimiento (maintenance rehearsal), y tiene limitaciones como estrategia de memoria
- La repetición elaborativa (elaborative rehearsal), que consiste en comprender el significado del guion y conectarlo con información ya conocida, es más útil para retener las líneas por más tiempo
- El proceso de entender el papel y examinar cómo cada línea se relaciona con ese personaje se convierte en el centro de la memorización
La motivación del personaje y el contexto de la escena hacen surgir las líneas
- Cuando Helga y Tony Noice investigaron cómo los actores aprenden sus líneas, descubrieron que los actores buscan el significado dentro del guion en vez de memorizarlo mecánicamente
- Imaginan al personaje dentro de la escena, adoptan su punto de vista y vinculan las nuevas líneas con el trasfondo, el estado de ánimo y la situación
- Las líneas se analizan con detalle para entender la motivación del personaje
- Ejemplo: se hacen preguntas orientadas a objetivos como “¿Estoy enojado con ella cuando digo esto?”
- Durante la actuación, esa comprensión aporta contexto, por lo que las líneas fluyen de forma natural en lugar de sentirse como una lectura de texto memorizado
- Michael Caine dice en “Acting in Film” que la siguiente línea debe recibirse del rostro del actor con quien se comparte escena, en lugar de esperarla mentalmente, porque así es posible actuar de forma espontánea, escuchando y reaccionando
El caso de la recitación de 10,565 líneas de “Paradise Lost”
- El actor John Basinger comenzó a estudiar el poema épico “Paradise Lost” de Milton a los 58 años como actividad mental para acompañar su ejercicio físico en el gimnasio
- Cada vez añadía nuevas líneas a las partes que ya había aprendido, y 8 años después memorizó las 10,565 líneas completas y las recitó a lo largo de 3 días
- En una prueba de memoria realizada cuando tenía 74 años, recordó casi perfectamente las 10 líneas que seguían a 2 líneas escogidas al azar
- Este logro no fue resultado de una repetición vacía, sino de un proceso acompañado por una comprensión profunda del lenguaje y la poesía de Milton
- Basinger dijo que, al repetir las palabras de Milton, empezó realmente a escucharlas, y que a medida que el poema tomaba forma en su mente surgían la comprensión y la intuición
El procesamiento profundo también se aplica a la memoria cotidiana
- La comprensión profunda consiste en prestar atención al significado esencial más que a la superficie de un elemento o un acontecimiento, y también puede usarse en la memoria diaria
- Incluso una situación tan simple como tomar manzanas en el supermercado puede procesarse a distintos niveles
- Mirar el color y el tamaño es un procesamiento superficial centrado en lo visual
- Decir el nombre implica un nivel intermedio centrado en lo auditivo
- Pensar en su valor nutricional o en cómo se usa en una receta favorita es un procesamiento profundo centrado en lo conceptual
- La profundidad de procesamiento (depth of processing) dedicada a un elemento o evento influye en la probabilidad de recordarlo después
- Las personas que leyeron una lista de sustantivos comunes recordaron más palabras en una prueba de memoria inesperada cuando prestaron atención al significado de cada palabra que cuando se fijaron en su tipografía o en su sonido
Las pistas con significado hacen que recordar sea más fácil
- El procesamiento profundo y elaborado fortalece la comprensión al conectar lo que se quiere aprender con lo que ya se sabe
- La elaboración crea asociaciones más significativas que el procesamiento superficial, y esas conexiones se convierten después en pistas para recuperar el recuerdo
- El ejemplo de recordar los nombres de los enanos de la animación de Disney “Snow White and the Seven Dwarfs” muestra la diferencia entre distintos tipos de pistas
- La pista “el nombre de un enano que empieza con B” dificulta encontrar la respuesta porque hay muchos nombres comunes con B
- La pista “el enano cuyo nombre es sinónimo de tímido” hace fácil recordar Bashful si se conoce la película
- Las asociaciones significativas ayudan a la memoria, y el procesamiento elaborativo genera más conexiones semánticas que el procesamiento superficial
1 comentarios
Opiniones en Hacker News
Después de tomar algunos talleres de la técnica Meisner, me cambió la perspectiva sobre la actuación.
La definición central es que “actuar es la capacidad de comportarse con total verdad dentro de circunstancias imaginarias”, y la Meisner Technique es un proceso gradual para salir de la cabeza y entrar en la intuición.
Por eso hay que aprender a concentrarse en el objetivo más importante: el otro actor. Un actor que usa este enfoque no imita: se convierte en ese estado. Muchos actores, cuando leen y memorizan líneas, las repiten de forma plana, sin tono ni entonación, porque si no reaccionan al otro, solo están fingiendo.
Los calentamientos también incluyen mucho ejercicio de reaccionar a la persona que tienes enfrente, y tomé clases porque también sirven para desarrollar la capacidad de conversar con la gente. También me gusta la frase de Stella Adler: “el crecimiento como actor y el crecimiento como ser humano son sinónimos”.
No soy bueno memorizando datos aleatorios a solas, pero si tengo a alguien enfrente recuerdo mis líneas con mucha más facilidad. La memoria siempre está conectada con otros pensamientos y, a veces, las ideas tienen que encadenarse como si cruzaras sobre piedras de apoyo para que aparezcan.
La escena de Margot Robbie y Jason Schwartzman muestra con fuerza la diferencia entre una lectura y una actuación.
Estoy de acuerdo con esta historia.
Como alguien que habla a menudo en público y coachea a otras personas, lo primero es entender profundamente el material. Luego viene el hábito de escribir de la misma manera en que hablarías en público, es decir, crear tu propio estilo.
Cuando ambas cosas se combinan, terminas explicando el tema del modo en que tú mismo lo habrías escrito originalmente, no te desestabilizas aunque haya interrupciones y también puedes responder de forma improvisada.
Claro que es difícil. Hay que entender profundamente el material y también construir hábitos de habla y escritura que permitan una expresión pública potente. No me sorprende que los actores usen el mismo enfoque.
Hoy en día es fácil desestimar la memorización como una repetición tonta, de loro, o como simple rumia, pero viendo esta discusión parece que aquel viejo estaba señalando algo.
Si para memorizar bien algo se necesita una comprensión profunda, entonces el objetivo mismo de memorizarlo de corazón puede, como efecto secundario, generar comprensión.
Hay que poder hablar de un tema que no has tocado en semanas, o mantener una vista panorámica y adoptar la perspectiva de alguien externo aunque estés enterrado en los detalles.
Muchas presentaciones académicas se arruinan no porque el expositor no entienda el tema en profundidad, sino porque confunde un detalle diminuto en el que estuvo trabajando ayer con lo esencial que debe transmitir hoy, y no logra soltarlo.
Si le pides a esa misma persona que explique un trabajo anterior, a veces puedes escuchar una excelente introducción improvisada al campo.
El resultado fue exactamente lo contrario de lo buscado: a mi ansiedad por hablar se le multiplicó la ansiedad por cómo sonaba y por “mantener el personaje”. Comparándolo con la escritura, era como si estuviera intentando sostener un personaje que no entendía, sin pensar bien en qué estaba diciendo ni a quién se lo decía.
Las personas que obtenían valor de ese método de coaching eran gente a la que no le interesaba mucho entender el material o, en algunos casos, para quienes ese concepto ni siquiera entraba en su campo de interés. No porque fueran tontas, sino porque lo abordaban de forma transaccional; por lo general le tenían mucho miedo a hablar en público, y ese método les permitía al menos salir del paso.
Al mismo tiempo descubrí que no soy alguien con gran pánico escénico ni mucha ansiedad por hablar en público, pero en realidad eso no es una ventaja tan extraordinaria. Un familiar trabajó en teatro con actores muy exitosos, y era sorprendente cuántos de ellos tenían un pánico escénico abrumador.
Imagínate a alguien cuyo nombre la mayoría en este hilo habría escuchado, escondido en el baño con miedo de salir al escenario, y luego, una vez afuera, dominando por completo al público. El acto de interpretar a alguien parece desbloquear a muchos actores.
Al final, ese coach intentaba entrenarme para imitar sin empatía ni comprensión, y los alumnos se dividían en dos grupos: quienes entendían el material y al público y querían hablar como una mejor versión de sí mismos, y quienes llenaban las casillas superficiales de “buen orador” vendiendo con soltura un auto que nunca habían manejado.
Creo que los grandes actores y oradores hacen ambas cosas. Aman el material y, al mismo tiempo, aman el acto de convertirse en alguien a quien dan ganas de escuchar.
Antes tenía un estilo de escritura bastante impecable y “según las reglas”, pero poco a poco se transformó en una forma de escribir como hablo.
Durante un tiempo me molestaba que mi madre, que enseña idiomas, encontrara cada vez más problemas en mis textos, y sentía que estaba perdiendo las virtudes que tenía de niño. Porque de niño me consideraban bastante buen escritor.
Ahora entiendo que era exactamente lo que se describió. Por casualidad empecé a escribir como hablo y, como resultado, mi escritura se volvió una especie de extraño flujo de conciencia con sus propias reglas y ritmo. A la gente que me conoce le gusta porque siente que en el texto estoy conversando por escrito.
Como alguien que gestiona beats y personas a la vez, la personalidad y la energía que nace de ella pueden ser el mejor regalo que uno puede darle a un equipo. Intento compensar la calidad de escritura que siento que bajó practicando otra de mis pasiones: escribir poesía.
Me gustó esta cita de Michael Caine:
“Debes poder estar ahí de pie sin pensar en esa línea. La recibes del rostro del otro actor. Si no, dejas de escuchar por estar pendiente de tu siguiente línea, y pierdes la libertad de reaccionar con naturalidad o de actuar de forma espontánea”.
El mayor reto de memorización que tuve fue interpretar uno de los papeles principales en The Importance of Being Earnest en la preparatoria, y la forma en que me aprendí todo fue parecida a como ahora memorizo presentaciones. Repetirlo una y otra vez hasta convertirme en ese personaje, y sentir que no sabía “las líneas”, sino “mi parte”.
No se trata de escupir diálogos, sino de ir avanzando paso a paso según la información recibida y reaccionar, hasta que incluso desaparece la sensación de estar intentando reaccionar. También ayuda mucho a improvisar cuando algo sale mal. En vez de seguir cada línea una por una, basta con seguir el flujo por el que iría el personaje según el estímulo.
Las personas con las que era más difícil actuar eran las que habían memorizado de forma mecánica: rompían el flujo intentando volver a una línea que se habían saltado, o simplemente se quedaban congeladas.
Dos o más actores se intercambian las mismas líneas a partir de observaciones simples y repetición, pero lo que realmente se dice y se transmite no son las palabras, sino el subtexto que el actor percibe y siente.
Una frase como “llevas una camisa azul” puede contener la idea de “no me gusta tu tono” o “me gusta tu sonrisa”. El otro actor tiene que leer eso y reaccionar en consecuencia.
Pero en el escenario no estoy tan seguro. Los compañeros de reparto quizá no sean tan flexibles, e incluso puede tocarte ayudarlos.
Además, una obra teatral no necesariamente busca la “naturalidad” que se espera del cine moderno. Muchas veces es deliberadamente teatral de alguna manera.
El público no puede ver una ceja apenas levantada, así que me pregunto si uno podría hacer un gesto dramático con el brazo para el público y, al mismo tiempo, levantar apenas la ceja para darle una señal al compañero. No tengo experiencia práctica; es solo una suposición, así que imagino que alguien me corregirá si estoy equivocado.
Llevo más de 20 años entrenando actores de voz, y para la mayoría de los actores un gran problema es que la corteza visual está constantemente activa porque tienen que seguir mirando las palabras.
Hay varias técnicas para ayudar con esto, pero la que mejor funciona es la “micro-memorización”. En términos lingüísticos, consiste en tomar una unidad de emisión de 2 a 6 palabras —un bloque de habla— y repetirla con los ojos cerrados.
Si es más larga, se cuela una pequeña ansiedad de “¿estaré recordando exactamente las palabras?”, y eso arruina la naturalidad. Con el tiempo, el cerebro se adapta no solo a recordar palabras, sino a dividir el significado, y se vuelve un hábito útil incluso para calentar con un guion que se ve por primera vez.
Además, así como una palabra polisilábica sigue un patrón de tono y acento, cada unidad de emisión también tiene un patrón. Decir cada unidad con su patrón más natural y básico no es algo fácil de aprender para que ocurra de forma espontánea, y este ejercicio también desarrolla esa capacidad.
Como alguien que actúa en su tiempo libre, creo que al texto le faltan tres cosas.
Primero, aparte de entender sus líneas, un actor también tiene que hacer memorización mecánica de verdad. Muchas veces hay que decir una larga secuencia de palabras en el orden exacto no porque exista una lógica subyacente que haga obvia la elección de cada palabra, sino porque así está escrito en el guion.
Al inicio de los ensayos no importa, y de hecho es bueno jugar con el texto, pero al final todo tiene que quedar fijado. El teatro es más que transmitir el estado psicológico de un personaje. En especial en los movimientos escénicos, se depende de señales verbales, y mantener el timing es importante.
A la inversa, el teatro es por naturaleza algo lleno de variables. No hay dos funciones exactamente iguales. Un utilero puede fallar, alguien puede equivocarse en una línea, o el público puede reírse más o menos de lo esperado con un chiste.
En ese momento hay que adaptarse, así que no basta con recordar las líneas: hay que estar presente. Esa es la verdadera razón por la que hay que entender el diálogo. Además, el público normalmente no se sabe el guion de memoria, así que mientras lo que ocurre en escena avance con naturalidad, los errores no se notan mucho.
Por último, creo que la gente exagera mucho la dificultad de memorizar texto. Inventamos el lenguaje mucho antes que la escritura, y el lenguaje está extremadamente optimizado para que incluso campesinos analfabetos puedan recordarlo con facilidad.
Piensa en cuántas canciones conoces. Puede que haya cientos o miles que puedas cantar aunque no las hayas escuchado en años. También hay muchas líneas de películas que puedes meter al vuelo en una conversación como referencias de cultura pop.
Si abres al azar un libro que leíste hace 10 años, probablemente no tardes mucho en ubicar en qué parte de la historia estás. Puede que cambies alguna palabra o inviertas el orden de algunas líneas, pero recuerdas grandes bloques sin demasiado esfuerzo.
Un actor relee el guion decenas de veces y dedica mucho esfuerzo a ensayar, y su éxito depende de ese esfuerzo. Claro que el resultado final queda más pulido que la memoria básica, pero la diferencia no es tan enorme.
Hace unos 25 años jugué un juego en el que sacabas una tarjeta y tenías que cantar una parte de esa canción. Todos teníamos expectativas y sonaba divertido, pero al probarlo nadie recordaba bien las letras. Apenas podían con parte del coro.
Claro que hay gente que memoriza bien las letras, pero sospecho que son una minoría. La gente sobrestima su capacidad de recordar porque canta en el auto o en otros lugares, y aunque dude o se confunda un instante, la grabación original sigue guiándola. Sin esa guía firme, se descarrilaría rápido.
También es algo que vivo todo el tiempo tocando en una banda de covers de nivel intermedio. Cuando aprendo una canción nueva pienso: “ya me la sé por completo; puedo tocarla perfecto junto con la original”, pero cuando la banda se junta y la tocamos por primera vez, se desmorona enseguida.
Una pequeña vacilación o duda crece rápido, se contagia a los otros músicos, y pronto todos empiezan a discutir si la batería entra después de la segunda repetición de una frase o después de la cuarta.
A principios de mis 20 hice mucho teatro amateur, y al comienzo memorizar el texto parecía una tarea bastante grande, pero para cuando hacíamos pasadas completas todos los días, casi nadie tenía problemas de memoria.
Aun así, tener las líneas memorizadas era bastante útil porque a veces era molesto sostener el guion en el escenario durante los ensayos, así que intentaba terminar de aprendérmelas lo antes posible cuando podía.
Como alguien que lleva mucho tiempo usando Anki y tiene mucho interés en la memoria, creo que al trasladar las técnicas de memorización de los actores a métodos de estudio como lenguajes de programación, química o matemáticas, hay que tener en cuenta algunas cosas.
En relación con la parte que dice que “el actor hace preguntas orientadas a objetivos, como ‘¿estoy enojado con ella cuando digo esta línea?’, para entender profundamente el guion”, primero hay que incorporar emoción. Por ejemplo, en Go, el CamelCase que se usa al exportar variables se puede asociar con la idea de que la mayúscula quiere hablar en voz alta.
Segundo, hay que traer a la mente experiencias. No basta con leer y escribir código; al enseñarlo, hay que activar múltiples entradas sensoriales y múltiples contextos.
En cuanto a la parte que dice que “el procesamiento profundo y elaborado refuerza la comprensión al conectar lo que se quiere aprender con cosas que ya se saben”, tercero, hace falta fragmentación. En vez de crear recuerdos nuevos e independientes, hay que agruparlos con la sintaxis de otros lenguajes de programación.
En resumen, es importante interactuar activamente con el material, pero eso no alcanza para tareas pasivas. Basta con recordar cuántas veces leímos un libro y aun así olvidamos lo esencial.
Me da curiosidad cómo se aplica este método a la memorización de obras largas que no son puro diálogo.
Cuando era chico conocí a un pastor que se había memorizado todo el Nuevo Testamento. No era un truco: podías abrir la Biblia en cualquier página y leerle media oración, y él podía continuar todo lo que quisieras; de verdad lo recordaba todo.
A los 12 años, por curiosidad, le pregunté cómo lo había hecho, y su respuesta fue sabia pero poco táctica: “No sobrestimes lo que puedes hacer en un año, ni subestimes lo que puedes hacer en diez”.
Quizá la diferencia sea el tiempo. Un actor tiene que aprenderse las líneas rápido, mientras que él podía tomarse todo el tiempo que quisiera.
Por ejemplo, la meditación católica se organiza en torno a lectio divina y meditatio. La primera consiste en leer un texto sagrado lenta y atentamente, “escuchándolo como si Dios hablara”, y la segunda, después de esa lectura atenta, en rumiar el texto y reflexionar profundamente sobre sus posibles significados.
No sé si ese pastor hacía este tipo de prácticas, pero desde la perspectiva del artículo, si las hacía, podrían haberle ayudado a memorizar el texto. Y tal vez la memorización, a su vez, le permitió enfocarse más en el significado que en las palabras.
Además, hasta donde sé, todos los textos de la Biblia —aunque no estoy seguro de algunas partes del Nuevo Testamento— circularon oralmente durante décadas o siglos antes de ser escritos, y están estructurados para ayudar a la memorización.
Es fácil pensar que, si tenemos acceso ilimitado al texto, memorizar es innecesario, pero esta discusión me hace preguntarme si la memorización puede ser una forma poderosa de abrir el significado oculto de un texto.
Me viene la idea aleatoria de que la memoria humana se parece más a una lista enlazada que a una tabla hash.
Una vez, por aburrimiento, intenté memorizar un poema bastante largo, Demon de Lermontov. Podía recitarlo durante 15 minutos a velocidad normal, pero si me pedían empezar desde la mitad, no podía. Tenía que volver a un punto que conocía y seguir desde ahí.
Así tienes acceso directo al punto de inicio de cada bloque, como una tabla hash de listas enlazadas.
Por ejemplo, si las líneas 1, 16 y 78 son casi iguales, al encontrar una de ellas te confundes sobre si debes seguir con la línea 2, ir a la 17 o a la 79.
En 1990, como aspirante a actor, aprender la técnica de memorizar líneas con precisión fue un viaje de disciplina y descubrimiento.
Al principio me abrumaba la cantidad de texto, pero pronto entendí que la clave era comprender el contexto del personaje y el sustrato emocional.
Dividía el guion en secciones manejables y me concentraba en la motivación y las relaciones de cada escena. Aun así, la repetición seguía siendo una aliada, y repetía las líneas en silencio o en voz alta hasta que se sentían como una segunda naturaleza.
Visualizar la escena y mover el cuerpo durante los ensayos también ayudaba a fijar las líneas en la memoria. También me resultaba muy útil grabar mis líneas y escucharlas mientras me trasladaba, o incorporarlas a actividades cotidianas.
Practicar con otros actores también reforzaba la memoria, porque durante los ensayos podía reaccionar de forma orgánica y auténtica. Con el tiempo, estos métodos se combinaron en una estrategia sólida, y pude entregar mis líneas con confianza y precisión, encarnando por completo al personaje que interpretaba.
Me recuerda al cuento de Borges Pierre Menard, Author of the Quijote. Pierre Menard, un escritor del siglo XX, se mete tan profundamente en la posición de Cervantes que vuelve a escribir Don Quijote línea por línea, no porque quiera copiarlo, sino porque en ese momento le parece lógico hacerlo.
Es un poco difícil de explicar, pero vale mucho la pena leerlo.
https://en.m.wikipedia.org/wiki/Pierre_Menard,_Author_of_the...
Tal vez no sea una reproducción descuidada de los datos de entrenamiento, sino una reproducción completamente consciente.
El artículo de Wikipedia también dice que “Pierre Menard se usa a menudo para plantear preguntas y debates sobre la naturaleza de la autoría, la apropiación y la interpretación”.
Si lo piensas, le agrega una dimensión completamente nueva a la narrativa.