El arte lineal geométrico de Wacław Szpakowski (2017)
(theparisreview.org)- Wacław Szpakowski desarrolló durante toda su vida los bocetos que empezó alrededor de 1900, cuando tenía 17 años, hasta convertirlos en dibujos abstractos geométricos con forma de laberinto hechos con una sola línea continua
- Aunque partió de experimentos improvisados que solo requerían papel y lápiz, las obras terminadas muestran una uniformidad meticulosa y una gran complejidad, al punto de que el propio método de producción se vuelve parte central de su apreciación
- Su obra no se mostró al público hasta 1978, cinco años después de su muerte, y Grounding Vision: Waclaw Szpakowski en la Miguel Abreu Gallery de Nueva York fue la muestra más grande de Szpakowski realizada en Estados Unidos
- La exposición reunió 26 dibujos y cuadernos originales junto con obras de artistas contemporáneos, contraponiendo cuestiones como la repetición, el sistema y el desplazamiento de la línea con trabajos hechos casi un siglo después
- Para Szpakowski, este trabajo no era decoración sino una idea lineal que debía seguirse con la mirada, y la exposición lo incorpora a los debates sobre arte abstracto, conceptual y outsider
Un proyecto de toda una vida unido por una sola línea
- A los 85 años, Wacław Szpakowski escribió «Rhythmical Lines» para ordenar el trabajo que había sostenido durante toda su vida
- Este proyecto es una serie de dibujos abstractos geométricos con forma de laberinto, cada uno compuesto por una sola línea continua
- Empezó estos dibujos alrededor de 1900, cuando tenía 17 años, y fue formalizando y reuniendo gradualmente los bocetos iniciales hasta desarrollarlos en formas más complejas
- «Rhythmical Lines» está escrito en tercera persona y deja ver su inseguridad respecto a la legitimidad artística de su obra
- Para Szpakowski, estos dibujos no eran producto de un laboratorio, sino experimentos con líneas rectas realizados espontáneamente en distintos lugares y momentos fortuitos; las únicas herramientas necesarias eran papel y lápiz
Un método de producción entre la improvisación y la precisión
- Aunque la semilla de las ideas surgió en notas informales, los dibujos terminados muestran un nivel de destreza muy alejado de la improvisación o el azar
- Las obras combinan un trazo uniforme, una ejecución limpia y una gran complejidad
- Algunas marcas de borrado son casi la única pista que permite inferir el proceso de producción
- En un dibujo se distinguen dos líneas a ambos lados de la línea final más gruesa
- Esto sugiere que Szpakowski pudo haber recorrido tres veces la trayectoria de cada diseño
La presentación pública en 1978 y la exposición en Nueva York
- La obra de Szpakowski no se mostró al público hasta 1978, cinco años después de su muerte
- Después apareció en varias exposiciones, pero principalmente en su Polonia natal; siguió siendo poco conocida y fácil de malinterpretar
- Grounding Vision: Waclaw Szpakowski en la Miguel Abreu Gallery de Nueva York fue la exposición más grande de la obra de Szpakowski realizada en Estados Unidos
- La muestra presentó 26 dibujos de Szpakowski y cuadernos originales junto con obras de artistas contemporáneos
- Fue organizada como una colaboración entre las curadoras Masha Chlenova y Anya Komar, y adoptó un formato experimental de respuestas, críticas y contraargumentos separados por casi un siglo
Szpakowski como arquitecto, ingeniero y violinista
- A Szpakowski no se le puede entender solo como una figura provincial; tras formarse en arquitectura, trabajó como ingeniero
- Tocaba el violín y más tarde llegó a pensar que sus dibujos podían usarse como partituras musicales
- Sus cuadernos, con observaciones arquitectónicas, diagramas de fenómenos naturales y notas apasionadas, parecen una versión del siglo XX de los cuadernos de Leonardo da Vinci
- Entre sus objetos de observación había fenómenos naturales como las corrientes marinas y las hojas de abeto
- Mantuvo esta actividad intelectual incluso durante las dos guerras mundiales
- En la Segunda Guerra Mundial fue un miembro activo del Home Army
- Por ello fue encarcelado y su hijo murió
- En «Rhythmical Lines» escribió que haber preservado sus bocetos pese a la destrucción y las dificultades de las dos guerras mundiales mostraba cuánto valor daba a sus ideas lineales
No decoración, sino una línea que se lee
- Un público del siglo XXI puede sospechar al principio que los intrincados diseños de Szpakowski fueron generados por computadora y, al enterarse de que fueron dibujados a mano, concentrarse en exceso en la técnica de producción
- En vida, Szpakowski cuestionó la manera en que sus diseños podían consumirse de un vistazo como si fueran decoración
- También tomó distancia de interpretaciones que los reducen a referencias como el meandro de la antigua Grecia o los patrones textiles
- Para él, la obra no era simple decoración, sino una idea lineal
- Consideraba que “una sola mirada no basta”
- Hay que seguir la línea de izquierda a derecha para acceder al contenido interno
- Ese proceso se parece a leer
La yuxtaposición con artistas contemporáneos
- La exposición agrupó los motivos según el propio sistema de numeración de Szpakowski y distribuyó por toda la galería obras de siete artistas contemporáneos
- Florian Pumhösl ya conocía a Szpakowski y para esta muestra produjo cinco piezas de yeso que responden directamente a sus dibujos
- Estas obras parecen maquetas vistas desde el aire y evocan la formación arquitectónica de Szpakowski
- Estudian en tres dimensiones las entradas y salidas de los dibujos de Szpakowski, como rampas de acceso y salida que suben a una meseta
- Al entrar en la línea, se acentúan la sensación de velocidad y los giros bruscos, como si uno estuviera en una carretera de un solo sentido sin camellón central ni área de descanso
- El cortometraje de tres minutos de Guy de Cointet muestra una línea que se mueve lentamente sobre formas abstractas gruesas
- Después de leer el título Untitled (7), se entiende que la escena muestra la manecilla de los segundos atravesando lentamente el número 7 en un reloj cortado y girado
- La instalación de Hanne Darboven marca las fechas de un año de una manera singular
- La obra de Sam Lewitt parece formalmente cercana a la de Szpakowski, pero remite y funciona como un modelo ampliado de sistemas de calefacción usados en tecnología de comunicaciones
- Ambos artistas muestran interés por la eficiencia de formas que pueden relacionarse con fuerzas invisibles
- La obra de Lewitt adopta la distancia crítica propia del trabajo contemporáneo y hace que la invención de Szpakowski parezca una ingenuidad de otra época
De objeto de curiosidad a espacio de discusión
- Algunas yuxtaposiciones subrayan la brecha entre la época de Szpakowski y el presente
- Aun así, en su proyecto persisten una tensión y una continuidad notables
- Esta exposición saca a Szpakowski del mero terreno de la curiosidad y lo lleva al espacio de la discusión
- Masha Chlenova señala como uno de los elementos que hacen resonar la obra de Szpakowski una “ultimate nerdiness”, destacando que él insistía en haber descubierto, de manera muy aislada, algo que nadie más había pensado
- Ese aislamiento no es ingenuidad en sentido negativo, sino una sensación de libertad que puede ser importante para que un artista cree
1 comentarios
Opiniones de Hacker News
Me encanta este tipo de arte geométrico. Yo también hago obras digitales geométricas centradas en teselados complejos en https://andrewwulf.com
No son para vender, solo para mostrarlas. La geometría y las matemáticas pueden resultar bastante atractivas para la gente, pero hoy en día, fuera de los NFT, no parecen ser tan populares comercialmente. La repetición y la variación pueden ser herramientas poderosas en el arte, y Wacław merece ser más conocido
Quería elegir algunas, pero cuando miraba una durante un buen rato y luego veía una obra nueva, por la novedad esa siempre me parecía mejor, así que yo también terminaba dando vueltas en círculo
También me recordó al diseño gráfico de "May Contain Hackers 2022". Me gustó muchísimo, y también había una herramienta para generar diseños similares https://mch2022.org/#/ https://mch2022.org/design/
También me hicieron pensar en las obras de Bernard Cohen que vi en la Tate Modern. Para mí, iban más allá de simplemente pulsar el botón de “patrón geométrico bonito”; parecían un logro de otro nivel que hacía sentir incluso el orden y el desorden de una inteligencia humana en funcionamiento
No encontré una página que reuniera exactamente las obras que tengo en mente, pero dejo algunos enlaces de referencia:
https://www.flowersgallery.com/exhibitions/387-bernard-cohen...
https://www.artnet.com/artists/bernard-cohen/
Este quizá sea más completo:
https://duckduckgo.com/?q=bernard+cohen+works&iax=images&ia=...
https://omarrr.com/isolation-pixel-series
Tampoco está a la venta
Consiste en crear obras usando cada valor RGB exactamente una vez
Ejemplo: https://allrgb.com/
Gracias a este artículo y a un comentario que mencionaba los sistemas de funciones iteradas, aparece una conexión interesante entre dos polacos dentro de este tema: Wacław Sierpiński, es decir, el de los triángulos de Sierpiński [1], y "Wacław Szpakowski". Por la época, incluso podrían haberse conocido
Otro punto interesante de este tipo de conexiones es buscar materiales que mencionen a ambas personas en el mismo medio, por ejemplo una página web o un artículo académico. Así terminé encontrando un libro muy prometedor de Axel Rohlfs titulado "Art, algorithm and ambiguity. Aesthetic ambiguity with regard to metacognition based on visual semiotics, visual rhetoric and Gestalt Psychology" [2]
Este método a veces también funciona en otros campos. Si un investigador conoce algunos hechos, nombres o entidades poco conocidos de un área, por lo general es probable que sea bastante competente en ese campo, o al menos alguien que le ha dedicado suficiente tiempo
[1] https://en.wikipedia.org/wiki/Wac%C5%82aw_Sierpi%C5%84ski
[2] https://archiv.ub.uni-heidelberg.de/artdok/8576/1/Rohlfs_Art...
Si te gusta este tipo de cosas, vale la pena explorar todo el movimiento llamado op art [1]. En particular, hay artistas como Bridget Riley.
Vi una gran exposición de Riley en la Tate en 2003 y fue realmente excelente. Al entrar, en la primera pared con la que te encontrabas había una obra enorme y única, creada especialmente para esa exposición. Sobre una pared de un blanco muy brillante había círculos negros de 3/4 dispuestos en una cuadrícula bastante amplia, y la abertura de cada círculo parecía rotar cada vez que mirabas a lo largo de la pared y de arriba abajo.
Aunque era una obra puramente estática en blanco y negro, era una ilusión óptica muy peculiar que hacía que el cerebro alucinara color y movimiento. Conocía un poco el trabajo de Bridget Riley porque es una de las artistas visuales que se estudian al aprender música del siglo XX, pero no esperaba que la ilusión funcionara tan bien incluso a esa escala.
[1] https://en.wikipedia.org/wiki/Op_art
Lo que más me gustó fueron los murales coloridos posteriores, como Rajastan (2012). El hecho de que se pinten directamente sobre la pared de la galería plantea preguntas interesantes sobre derechos de autor y propiedad de la obra de arte.
Supongo que su equipo tiene que volver a pintarlos en cada lugar donde se exhiben y también supervisar el proceso de destrucción. También me imagino una situación tipo falla del transportador de Star Trek: “Uy, ahora hay dos Rajastan (2012)”.
Siempre me pareció interesante que a ella no le gustara el resultado de esa obra 3D y que, durante el resto de su carrera, volviera al lienzo plano. Aun así, a mí también me pareció una obra asombrosa.
Enlace a un buen documental sobre Riley para quienes tengan acceso a la BBC: https://www.bbc.co.uk/iplayer/episode/m0011psx/bridget-riley...
Genial. Me recuerda al Rostro de Cristo de Claude Mellan, de 1649. También usa una sola línea continua, pero él la grabó a mano en acero.
https://www.gallery.ca/magazine/your-collection/a-familiar-f...
Estas obras me recuerdan a https://en.m.wikipedia.org/wiki/Space-filling_curve
Siempre me fascinaron las curvas de Hilbert.
Parece una mina de oro para ejercicios de Logo cuyo objetivo sea escribir el programa más corto para una imagen dada. Incluso se podrían clasificar todas por complejidad de Kolmogórov.
Lo primero que pensé al verlo fue en una antena de PCB. Me da curiosidad saber qué características de radiofrecuencia tendría si se usara de verdad, solo por diversión.
Realmente impresionante. Hay que considerar los años en que se hicieron estas obras y el espíritu de la época de entonces.
En aquellos tiempos, imaginar algo así habría requerido otra clase de pensamiento. Un trabajo genial y muy bien logrado. Por eso los artistas son importantes: son rompehielos, y el resto va detrás.
Estaba en NYC cuando se estaba preparando esta exposición, y un amigo mencionó este artículo y me dijo que fuera a verla.
Creo que nunca me sentí tan conectado con una exposición de galería como con la obra de Wacław. Había algo en crear piezas tan sofisticadas con una sola línea. Fue uno de esos momentos fortuitos que no olvidaré pronto.
En la era predigital, el descubrimiento y la distribución estaban rotos, así que los creadores talentosos quedaban enterrados. En el futuro digital, el descubrimiento y la distribución seguirán rotos, así que los creadores talentosos quedarán enterrados.
Dejando de lado la queja, este es un tesoro bastante raro que salió a la luz.
Me pregunto si en los dibujos de una sola línea hay algo equivalente a los teselados aperiódicos.
https://www.felixflicker.com/research