La muerte del músico de clase media
(thewalrus.ca)- La aparición de las plataformas de streaming y el colapso del mercado de discos físicos han hecho cada vez más difícil que los músicos de clase media puedan mantenerse.
- Los músicos intentaron generar ingresos de distintas formas, como contratos con sellos, giras, trabajo freelance y subsidios gubernamentales, pero han sufrido inestabilidad y bajos ingresos.
- Solo los grandes sellos y los servicios de streaming se quedan con la mayor parte de las ganancias, mientras que la mayoría de los músicos obtiene menos de unos cuantos miles de dólares al año.
- Factores externos como el aumento de los costos de las giras, la inflación y la generación musical con IA han empeorado la situación y acelerado el estrés mental y la desaparición del músico de clase media.
- Como soluciones, se discuten una reevaluación del valor liderada por los artistas, la inversión sostenida del gobierno y la introducción de nuevos modelos de ingresos.
El surgimiento y la desaparición del músico de clase media
Rollie Pemberton empezó su carrera como rapero en la adolescencia y dio a conocer su obra a través de internet. Después trabajó bajo el nombre artístico Cadence Weapon y construyó una carrera dual como crítico y músico en medios especializados como Pitchfork.
En 2006 firmó un contrato 360 con Upper Class Recordings, lo que le abrió oportunidades de crecimiento artístico como lanzar álbumes y hacer giras. Sin embargo, debido a la injusticia en la estructura de reparto de ingresos para los artistas, el sello se quedó con la mayor parte del dinero y él apenas pudo sostenerse. Entre 2006 y 2015 generó más de 250 mil dólares para el sello, pero él casi no recibió ingresos reales aparte de un adelanto de 10 mil dólares.
La estructura de los sellos y el ascenso del streaming
A finales del siglo XX, el boom del CD y la venta de formatos físicos hacían posible una vida de clase media-alta para los músicos, pero con la transición hacia la era de Napster, el intercambio de archivos y el streaming, la estructura de la industria cambió drásticamente. Grandes sellos como Sony, Universal y Warner controlan el 70% del mercado y obtienen enormes ganancias gracias a sus catálogos de contenido y a participaciones en Spotify, entre otros activos.
En cambio, el reparto de ingresos en las plataformas de streaming es extremadamente bajo: incluso con más de un millón de reproducciones en Spotify, los ingresos pueden ser de apenas unos miles de dólares o menos. Los principales sellos, salvo en el caso de unas pocas superestrellas, no brindan apoyo sostenido a la mayoría de los músicos nuevos y de trayectoria intermedia.
El streaming y la realidad de los artistas independientes
La llegada de los servicios de streaming trajo la ventaja de la democratización de la producción y distribución musical. Cualquiera puede subir su música directamente y ampliar su base de fans a través de redes sociales, pero como se registran decenas de miles de canciones nuevas cada día, la competencia se ha vuelto excesiva. La mayoría de los músicos enfrenta la realidad de que ni siquiera puede obtener ingresos suficientes para subsistir.
Según Jennifer Brown, directora de SOCAN, entre otras personas del sector, los artistas no buscan riqueza ni fama, sino mantener a sus familias y tener una vida digna y respetada. Por eso sienten una gran decepción al recibir apenas unos 600 dólares por un millón de reproducciones.
El deterioro del mercado de conciertos y la realidad de las giras
Después de la pandemia de COVID-19, también disminuyó el número de recintos que sobrevivieron, y los costos de las giras se dispararon por la inflación, las primas de seguro y el aumento de los costos de visa. Las giras dejaron de ser una fuente de ingresos y pasaron a convertirse en una estructura con pérdidas.
Por ejemplo, Tokyo Police Club enfrentó en su gira final dificultades para asegurar la misma rentabilidad sostenida de antes debido a la pandemia, el aumento de la competencia, la inflación y el fuerte incremento en los costos de visa en Estados Unidos.
La crisis de salud mental de los músicos
La inseguridad económica, la baja estabilidad laboral, el exceso de trabajo y la frustración por la falta de resultados han provocado en muchos músicos una crisis mental con ansiedad, depresión e incluso pensamientos suicidas. Según la encuesta “Soundcheck” de Revelios, el 86% experimentó problemas de salud mental y el 94% sentía una inestabilidad constante.
Los límites de los subsidios y del capital privado
Los músicos reciben apoyo directo a través de distintas vías, como subsidios gubernamentales, patrocinios corporativos, fondos de caridad y eventos privados. Sin embargo, los recortes presupuestarios del gobierno y los límites del capital privado impiden ofrecer suficiente estabilidad. Para una solución real se requiere inversión pública sostenida y nuevos modelos de ingresos.
El valor de la música y los problemas estructurales
Aunque la música es un bien cultural esencial para la sociedad, la digitalización y el streaming han hecho que pierda valor monetario. El público espera que la música esté disponible gratis en cualquier momento y lugar, pero eso deriva en una injusticia estructural que afecta directamente la supervivencia de quienes la crean.
La recreación del valor liderada por los artistas
El músico Torquil Campbell compartió ejemplos de cómo redefinir el valor de su propia música mediante ventas directas y creación de canciones personalizadas. También subrayó la importancia de vías de ingreso independientes, como dejar plataformas como Bandcamp para vender MP3 directamente y ampliar la comunicación directa con los fans. Sin embargo, incluso estos modelos tienen límites mientras no se consolide una base de seguidores suficiente.
La necesidad de cambios institucionales
Se plantea la posibilidad de solidaridad y acción colectiva de los artistas a partir de casos como los contratos de artistas influyentes como Taylor Swift y las exigencias de que las empresas respeten estándares éticos. También se ha argumentado que las plataformas de streaming deberían cambiar hacia un modelo en el que la cuota de suscripción de cada oyente se reparta entre los artistas que realmente escucha.
Personas del sector como integrantes de SOCAN y Six Shooter insisten en la importancia de ampliar la inversión pública en arte y construir infraestructura, pero subrayan que la solución decisiva pasa por volver a reconocer socialmente el valor de la música misma y promover un cambio estructural.
Conclusión y perspectivas futuras
El sistema actual, centrado en los grandes sellos y las plataformas de streaming, amenaza la supervivencia de los músicos de clase media y extiende sus efectos negativos al conjunto de la sociedad. Para una solución de fondo, son indispensables tanto la resistencia creativa, la acción colectiva y la redefinición del valor por parte de los propios artistas como una mayor conciencia social y respaldo de las políticas públicas. La campaña #MyMerch de Rollie Pemberton, los conciertos pequeños centrados en músicos independientes y el diseño autónomo de carrera se discuten como algunas alternativas.
Como la músico Lido Pimienta, muchos solo esperan poder vivir de forma sencilla, y este es un momento para advertir el impacto que tiene en toda la sociedad la desaparición de los artistas de clase media. Para la supervivencia de la música y el arte, se enfatiza la necesidad de participación de los fans, apoyo social y esfuerzos por recrear el valor de los artistas.
1 comentarios
Comentarios en Hacker News
Comparte que ha escuchado la respuesta “el gobierno debería implementar una renta básica universal” más que cualquier otra. Si esa idea se descarta solo como “poco realista”, nunca se podrá resolver el problema de fondo que tenemos: la desigualdad económica generalizada. La realidad es que cada vez más personas están perdiendo incluso las oportunidades de trabajo con las que podrían vivir dignamente. Cree que soluciones amplias como la renta básica, el impuesto a la riqueza y la división de grandes corporaciones son mucho mejores que los ajustes finos por industria
Está de acuerdo en que se necesitan soluciones amplias y estructurales como la renta básica, el impuesto a la riqueza y la división de grandes corporaciones, pero señala que la renta básica ya se ha probado varias veces y no ha mostrado casi ningún efecto claro, ni positivo ni negativo. Tampoco crea nuevos músicos. Su ventaja es que es administrativamente simple y favorable para reducir costos. El impuesto a la riqueza podría forzar la venta de activos y provocar inflación, lo que iría en la dirección de reducir la cantidad de músicos. Piensa que en la práctica habría que copiar sistemas que sí funcionan en ciertos países. Pone como ejemplo a Japón, donde hay muchos músicos gracias al bajo costo de vida, una industria educativa madura y una estructura salarial relativamente baja. En particular, comenta que en Japón también es común que mujeres debuten como idols porque sus opciones laborales son limitadas
Es un amateur que participa a buen nivel en actividades como deporte, música y arte, pero también es un empleado de oficina que paga muchos impuestos. Dice que hace falta convencerlo de por qué otros deberían recibir apoyo total para desarrollar su talento. Cree que no se debe confundir a “la gente que realmente se esfuerza y aun así no logra salir adelante” con “la gente que se lanza al arte puramente por pasión”. Si le siguen exigiendo cada vez más, ya no tendrá ganas de contribuir. Además, los súper ricos y quienes tienen ingresos altos ya están evitando su parte por distintos medios
Considera que la raíz del problema está en las preferencias sociales e individuales. ¿La brecha de ingresos entre músicos? La gente simplemente prefiere mucho más a ciertos músicos y canciones. La renta básica o las políticas fiscales casi no tendrían efecto real en cerrar la brecha entre la parte media y la parte alta del entretenimiento. Lo mismo pasa con la escasez de vivienda, que al final proviene de las preferencias de la gente por ciertos espacios y ubicaciones. Hay que diagnosticar primero la causa raíz para acercarse a una solución real
Comparte la visión de que esto no trata del fracaso de una industria específica, sino de un problema estructural donde todo el sistema está diseñado para absorber valor desde abajo hacia arriba
El problema parte de que las propias reglas de la economía son injustas. Usa la analogía de entrar tarde a una partida de Monopoly después de varias rondas. El costo excesivo de la vivienda es otro ejemplo. Además, quienes ganan mucho dinero trabajando duro usan ese dinero, de manera consciente o inconsciente, como un “arma” sobre las decisiones y las vidas de los demás, generando otra capa de desigualdad. Está convencido de que el punto de partida es admitir que el sistema está roto
Comparte su experiencia como ingeniero bien pagado con formación técnica y como alguien que tocó en bandas. Disfrutaba tanto la música que incluso consideró dedicarse a ella de tiempo completo, pero aun cobrando cachets de cuatro cifras, al final el ingreso por hora quedaba por debajo del salario mínimo. Con manager, viáticos y otros gastos, el ingreso real caía todavía más. Entre semana simplemente no había conciertos, así que era imposible sostenerse. Si hubiera más restaurantes y espacios donde se pudiera tocar en vivo todos los días de la semana en su región, quizá los músicos podrían trabajar también entre semana y vivir de eso, pero todavía no existe esa base. Si no se pueden llenar los días hábiles con presentaciones, la realidad es que los músicos talentosos terminan yéndose a otra cosa
Incluso tocando toda la semana en Broadway en Nashville, el sueldo sería miserable para el esfuerzo requerido. Además, eso te encasilla en un género y en una vida desgastante de varias presentaciones al día. Para sobrevivir como músico hay que combinar varios trabajos paralelos como tocar en iglesias, bodas, hacer sesiones, dar clases o trabajar como técnico de instrumentos, y más de la mitad de eso depende puramente de la suerte. Dice que es una realidad durísima y que la siente muy de cerca
Observa un cambio reciente: desde la pandemia han aumentado bastante los shows nocturnos entre semana. Eso se activó durante la recuperación y no ha desaparecido, así que lo ve como un cambio positivo
Llegó a la conclusión de que “el mundo no valora lo suficiente la música”. Al final, siente que la mayoría de los músicos crea como una especie de “juego” para sí mismos. Convertirlo en profesión exige sacrificios enormes. El mundo actual no le da suficiente valor a la creatividad. Le gustaría cambiar esa situación, pero la realidad le parece deprimente
Explican el caso de Rollie Pemberton mencionado en el artículo y la estructura de los contratos 360 de los sellos. Como los ingresos de Pemberton provenían sobre todo de premios y subsidios, y no de giras o discos, Upper Class Records obtuvo una ganancia anormal por la forma del contrato, así que fue un caso inusual. Para la mayoría de los músicos, ese tipo de contrato ni siquiera aplica así. De hecho, los sellos suelen perder más dinero con artistas de nivel medio. En la mayoría de los medios, startups y farmacéuticas también ocurre algo parecido: los “superstars” y un número ínfimo de casos exitosos determinan casi todos los ingresos. En esa estructura, “no son los perdedores sino los ganadores quienes sostienen a todo el conjunto”. Incluso los contratos de nivel intermedio suelen funcionar como loss leaders, con la esperanza de concentrarse en unos pocos que sí despeguen. Recomiendan la columna relacionada de David Lowery
Mencionan la teoría de la economía de los superstars (Rosen, Sherwin. "The Economics of Superstars"). Explica que diferencias individuales muy pequeñas pueden producir brechas de ingresos enormes. La estructura de bajos ingresos para artistas se debe tanto al “exceso de oferta” de gente talentosa dispuesta a sacrificar su vida, como al “refuerzo de escasez rentable” mediante promoción y marketing. Bajo esa lógica, es natural que el sello se quede con una parte mayor. Solo cuando un artista supera cierto umbral de éxito sus ingresos crecen de forma dramática
Por otro lado, recalcan que es fácil subestimar cuántas bandas o artistas fracasan y cuánto dinero y esfuerzo cuesta ese proceso. También señalan que los sellos dominan la industria con poder de mercado y músculo financiero, usando prácticas poco transparentes como la payola. Más transparencia ayudaría a mejorar el sistema, pero esa misma opacidad es también una condición para que el sistema actual se mantenga. Si la gente supiera que incluso teniendo éxito no queda tanta ganancia, la mayoría no querría asumir ese riesgo. Como no existe una fórmula para triunfar, al final la industria solo puede describirse como un “lanzamiento de moneda sesgado” constante
A algunos les parece una lástima que el artículo se enfoque en raperos y no en orquestas o músicos de sesión. En la práctica, desde la aparición de la música grabada, los consumidores han preferido grabaciones de músicos de primer nivel antes que de nivel medio. Por eso es realmente difícil ser un “músico de clase media” con una fama modesta. Al final, ven como una opción razonable vivir del mercado local, de nichos o de tocar en la calle
La mayoría de los músicos hoy serían “clase media”, coexistiendo con unos pocos superstars y muchos artistas empobrecidos. Comparten experiencias de tocar por ingresos pequeños de $20 a $100, o de preparar durante 8 horas un show grande para ganar apenas $200. Antes los músicos eran indispensables en muchos eventos; ahora basta con reproducir música desde un teléfono, dicen con resignación
Piensa que las bandas que tocan en venues pequeños, de 100 a 200 personas, se suben al escenario puramente por pasión. De hecho, por eso mismo le parecen más interesantes. Como sabe que los ingresos por tocar han caído, procura apoyarlas más comprando merch y otras cosas. Se puede disfrutar como una “experiencia impresionante a bajo costo”, sin que pese mucho si no sale perfecta. Como en Noruega no hay tantos recintos grandes, ve esta cultura de forma todavía más positiva
Mencionan que John Philip Sousa entendió con precisión los efectos negativos de la música grabada
Aunque alguien diga que la música open source, es decir, tocar en la calle, murió de la noche a la mañana, subrayan que el dinero que se puede ganar así todavía puede ser mejor que el de un proyecto open source usado por decenas de miles de personas
Opinan que reproducir música por bocinas y ver un show en vivo son experiencias completamente distintas
Critican la tendencia de que el origen social de los músicos sea cada vez más rico. Sin apoyo económico, intentar una carrera artística implica un riesgo enorme. Existe la sensación de que la era de los músicos de clase trabajadora o de bajos ingresos se está acabando
En el Reino Unido, comentan, el antiguo sistema de subsidio por desempleo, la llamada golden age of the dole, les daba a artistas de clase baja y media tiempo y oportunidad para desarrollar su obra. Comparten un artículo relacionado
Señalan que en el pasado ocurría algo parecido en la ciencia: sin patrocinio de familias ricas o sin recursos familiares, investigar era muy difícil
Dicen que todas las industrias creativas se han vuelto parecidas, dominadas por gente de cuna privilegiada. Moda de lujo, sellos discográficos, arte, literatura: para entrar al nivel alto hacen falta prácticas costosas y sostener la vida en grandes ciudades. Hoy hasta la cantidad de seguidores en redes funciona como filtro
Se percibe que la profesión de músico se parece mucho a la de actor. Los factores más importantes son la red de contactos, el dinero y los lazos familiares. Ponen ejemplos como padres actores que condicionan su participación a que contraten a sus hijos, o padres ricos que financian una película con la condición de que su hijo aparezca en ella, mencionando casos como Nicolas Cage y Jeff Bridges. Los ricos del sector tecnológico funcionan de manera parecida. Seas actor o músico, lo decisivo es el capital y la red de contactos
Dicen que el mismo fenómeno se repite en deportes como el basquetbol. Hijos que pasaron por campamentos más caros y mejores redes de contactos se quedan con las mejores oportunidades. La realidad de casos como Bronny James, hijo de LeBron James, muestra que el fenómeno de los privilegiados ya se metió incluso en el deporte. Da tristeza pensar que ni siquiera el deporte garantiza “igualdad de oportunidades”
Se plantea la pregunta de cuántos músicos sería “adecuado” que lograran independencia económica. El streaming redujo esa cantidad, pero reconocen que la música grabada ya había estrechado el mercado antes. Surge la pregunta de fondo de si la música debería volver a verse no como profesión, sino como arte de hobby. Así como nadie vive de pintar paisajes, quizá la música tampoco ocupaba ese lugar central por naturaleza
Si alguien crea por amor al arte pero no encuentra forma de monetizarlo, el tiempo que puede dedicarle a ese arte queda necesariamente limitado. Como resultado, quizá nunca aparezcan las mejores obras ni las mejores experiencias creativas. Invitan a imaginar qué pasaría si campos especializados como la ingeniería también se redujeran a hobbies difíciles de sostener como la música. Las consecuencias prácticas, la diferencia en el trabajo real y el freno a la innovación serían serias
Subrayan que la música y el arte se desarrollan gracias a un equilibrio entre profesionales y amateurs. Hay áreas que solo pueden sostener los profesionales, como las orquestas o la enseñanza especializada, mientras que los amateurs respaldan la escena profesional desde la música original o experimental, los mercados de presentaciones y los instrumentos. En la mayoría de las áreas musicales, el ecosistema solo funciona bien si existen ambos lados
Al mismo tiempo, dicen que también habría que hacerse la pregunta de si en industrias nuevas como el streaming o los youtubers realmente hay que “vivir de eso”. Dudan de que las estructuras industriales o el fortalecimiento de la propiedad intelectual y la regulación hayan mejorado de verdad la calidad del arte; más bien sospechan que solo aumentaron el costo de oportunidad
Desde el lado del consumidor de música, la pregunta importante es cuánta diversidad musical se quiere. Si disminuye el número de músicos profesionales, el mercado terminará ofreciendo menos variedad de productos y servicios
El streaming es solo una etapa más de la estructura industrial; en realidad, desde el avance de tecnologías como la grabación y la radiodifusión, la lógica de winner-takes-all se volvió mucho más fuerte y a la mayoría de los artistas les cuesta vivir. Creen que con la IA se volverá a una estructura centrada en mecenas y patrocinadores, como hace siglos. En el pasado los artistas tampoco se hacían ricos, pero al menos tenían garantizado tiempo para dedicarse a crear
Llama la atención que, desde la pandemia, el costo de casi todas las actividades ha subido mucho. El colapso de la cadena de suministro, incluido el incidente del Ever Given en el canal de Suez, también sería una causa combinada. Se preguntan por qué, si la pandemia y los problemas de suministro ya terminaron, los precios no regresan a la normalidad, y sienten curiosidad por una explicación más profunda que la simple codicia corporativa
Que los precios no bajen fácilmente podría ser un patrón general de la inflación, pero también se plantea la hipótesis de que la pandemia cambió por completo muchos hábitos de consumo y estilos de vida. Tecnologías que parecían menores, como el trabajo remoto, el streaming o los pedidos a domicilio, se masificaron durante la pandemia y después del COVID dejaron al mercado sin posibilidad de volver a su estructura anterior
Explican que los altos precios actuales no ceden con facilidad porque los gobiernos de muchos países expandieron demasiado la oferta monetaria durante la pandemia
Otro problema es que la barrera de entrada bajó muchísimo. Antes había que desarrollar habilidades y conseguir un contrato discográfico, pero ahora basta con descargar un programa como Logic, producir música con automatización y correcciones, y subirla de inmediato a servicios de streaming. Por eso se da la ironía de que músicos realmente talentosos como MonoNeon terminan teniendo más poder de convocatoria
Una persona que trabajaba como productor musical cuenta que cambió de carrera a ciencia de datos hace 5 años. Dice que para triunfar en la industria musical, aun teniendo talento y contactos, la “suerte” sigue siendo absolutamente decisiva. Y esa ventana de suerte se ha hecho todavía más estrecha últimamente